AÑO 18 Nº 31. ENERO - DICIEMBRE 2023
Dep. Legal ppi 201502ZU4671
Esta publicación cientíca en formato digital es continuidad
de la revista impresa.
ISSN 1856-7134 / e-ISSN 2542-3231
Depósito legal pp 200602ZU2376
Revista Arbitrada de la Facultad Experimental de Arte
de la Universidad del Zulia
Maracaibo, Venezuela
AÑO 18 Nº 31. ENERO - DICIEMBRE 2023
En un mundo globalizado, ¿cuán global puede ser la musicología? La “musicología
global” es un campo reciente con un enfoque multicultural y transdisciplinario que estudia las
complejas conexiones entre diferentes tradiciones musicales. Se centra en las intersecciones
históricas, examinando cómo las diferentes culturas han inuido y se han integrado a lo largo
del tiempo. Así, los académicos investigan el intercambio musical transcultural, evaluando el
impacto de la convergencia de estilos y la globalización en la experiencia musical. Este campo
enfatiza la inclusión, reconociendo las tradiciones musicales marginadas o subrepresentadas y
la interacción dinámica entre los contextos locales y globales.
Mientras tanto, la “musicología tradicional” abarca una amplia gama de temas
interdisciplinarios, incluyendo todos los géneros musicales, regiones geográcas, períodos
históricos y enfoques analíticos. Hoy, los jóvenes académicos tienen como objetivo reejar
esta naturaleza diversa y multidimensional, examinando la investigación histórica, los estudios
culturales, las perspectivas epistemológicas y las cuestiones contemporáneas de la música. No
puede haber innovación sin tradición, general sin particular, global sin local.
Desde su creación en 2006, situArte ha sido considerada como una de las principales
revistas académicas venezolanas enfocadas en las Bellas Artes, publicando más de 230 artículos
de investigación y ensayos originales en diferentes campos artísticos, pero sólo 17 documentos
relacionados con la música. Por tanto, este primer dosier de musicología de la revista representa
un enorme compromiso con el campo, una deuda de honor ampliamente saldada con una
colección de 13 trabajos académicos que van de la historia a la etnografía, del medievalismo al
posmodernismo, del análisis musical a la investigación artística, de las intersecciones culturales
a las técnicas compositivas. Estos enfoques evidencian cómo cuestiones históricas, teóricas
o artísticas especícas pueden interconectarse críticamente en una lectura global, rigurosa y
poliédrica de la musicología actual.
El artículo inicial de este volumen analiza la historia y el desarrollo de la lira, rastreando
sus orígenes en diseños inéditos, así como en tratados de los siglos XVI y XVII. El trabajo de
Pascucci: La lira da braccio Armati e le geometrie dell’Harmonia mundi, resalta el complejo
simbolismo entre los períodos del Renacimiento y el Barroco, dando a la lira una consistencia
mítica y dinástica. Esta investigación histórica y archivística se inspiró en el descubrimiento de
un arpa de mano en una pintura del siglo XVII, que muy probablemente surgió en un denso
entorno cultural y musical.
Posteriormente, Llaca investiga la inuencia de la agencia social en las representaciones
musicales de esclavos africanos en el género del villancico, examinando obras de Gaspar
Fernández y Juan Gutiérrez de Padilla. En The Villancico de Negrilla: Europe and Africa in
Seventeenth-Century Mexico, el autor deconstruye algunas percepciones culturales de la
alteridad en el “Nuevo Mundo”, profundizando en las diversas guraciones de temas africanos
por parte de compositores españoles tempranos. Los ejemplos de Negrilla de la Catedral de
Puebla revelan la cuestión de la subjetividad social en la comprensión que los colonizadores
europeos tenían de esa cultura extranjera.
Luego, el artículo de García: El Centenario de Brasil: un homenaje musical escolar
en Buenos Aires, valoriza un evento destinado a construir respeto mutuo y cultura internacional
entre Brasil y Argentina: un festival de música escolar celebrado en Buenos Aires para conmemorar
el centenario de la Independencia de Brasil. La autora sostiene que el gobierno, el sistema
educativo y la escena musical argentinos se entrelazaron con una mentalidad nacionalista,
mientras que el gobierno brasileño establecía una agenda conmemorativa internacional. En
consecuencia, la promoción argentina de la fruición musical en lo político, diplomático, público
y educativo resultó en un logro mayor: el fortalecimiento de los vínculos con Brasil.
EDITORIAL
En la investigación documental: Frederic Mompou’s Guitar Version of Cançó i Dansa
X: A Dating Hypothesis, Rubagotti sugiere que Mompou escribió una pieza para guitarra unos
diez años antes de la Suite Compostelana, basándose en algunos elementos especícos como
la dirección, un mensaje sin fecha de Mompou y una carta de Segovia sobre la otra variante de
Cançó i Dansa. Según esta hipótesis, Mompou pudo haber escrito una versión para guitarra en
1952 y una versión para piano y cuarteto vocal al año siguiente, convirtiendo este díptico en su
primera obra original para guitarra.
F. Casella: Fabrizio e Felicita tra catalogazione e storiograa, es el último artículo
de esta primera sección sobre estudios culturales, históricos y archivísticos. La investigación de
Petric sugiere que varias obras de los músicos decimonónicos Fabrizio y Felicita Casella fueron
atribuidos erróneamente entre sí debido a un error de catalogación. El descubrimiento se
produjo en 2022 y la autora encontró evidencia de la autenticidad de sus trabajos en archivos
europeos. Se proponen catálogos actualizados siguiendo estas fuentes.
Serrano despliega la segunda sección del dosier, dedicada a diferentes perspectivas del
análisis musical, con Antiphonal Composing in Salvatore Ciarrino's Superumina, en la que
examina el Quadro III, una peripecia de un sueño roto, donde Sciarrino emplea el procedimiento
antifonal en tres niveles: textual, dialógico, estructural. El compositor utiliza fragmentos del
Cantar de los Cantares dentro de una forma responsorial. Esta antífona responsorial, característica
del canto gregoriano, aparece varias veces intentando cuestionar metafóricamente tanto las
normas sociales como la capacidad de la protagonista para ignorarlas.
Más adelante, Algunas consideraciones sobre la dimensión escalar del tempo,
escrito por Morales, plantea que el ritmo se destaca como parámetro de inclusividad,
permitiendo evaluar y utilizar otros parámetros como la “dimensión escalar” en la composición
musical. La reexión se centra en el procesamiento de escalas de tempo, la traducción entre
tempos y el uso de la politemporalidad como proceso creativo. La escalarización sostenida del
tempo establece innovaciones epistemológicas, brinda alternativas en la investigación-creación
y la composición-interpretación, abriendo las puertas a futuras investigaciones en timbre o
anación.
El artículo de Maliugina, Horațiu Rădulescu, Das Andere e l’armonia del Plasma
sonoro, analiza la perspectiva estética de Rădulescu y la introducción del método espectral en
Sound Plasma, aplicando dichos principios teóricos al análisis de su composición Das Andere op.
49 para viola. Esta obra muestra una estructura ternaria transitiva de estabilidad a inestabilidad,
poniendo en primer plano la vida continua del sonido y su evolución de acuerdo con las leyes
temporales. La investigación concluye que la notación única de Rădulescu en tablatura permite
la máxima libertad en la producción de sonido, desaando así la dicotomía performativa sujeto/
objeto.
En Architectural Forms in Stravinsky's Music: Site-Specic Case Studies,
Kozachenko-Stravinsky profundiza en la conexión entre música (estudios aurales) y arquitectura
(estudios espaciales) en “Dumbarton Oaks” (o “Canticum Sacrum”), destacando la importancia
de la multidisciplinariedad de enfoques en la musicología tradicional. Según la autora, en el
siglo pasado, la convergencia de las artes desdibujó sus límites e incorporó parámetros clave
como forma, espacio, color, textura, luz, tiempo y movimiento. Dado que música y arquitectura
son experiencias inmersivas, la obra experimental de Stravinsky podría ser valiosa para evaluar
motivos espaciales y paralelos en música, rastreando formas poco ortodoxas de abordar estos
complejos campos interconectados.
La investigación de Marino conrma la rebelión de Saariaho a cánones estéticos
obsoletos a través de medios musicales modernos: un desafío a la concepción estética y los
horizontes estilísticos de la compositora, en su artículo: Tra avanguardia e postmodernità:
L’Amoir de loin di Kaija Saariaho. El estudio muestra cómo la ópera tienta un camino
alternativo al extremismo en la música contemporánea, utilizando material “vanguardista” para
crear atmósferas y texturas sonoras impactantes, transportando al público en un viaje acústico
entre Oriente y Occidente.
La tercera y última sección de este dosier alude a performance, indagaciones
prácticas e investigación artística. El artículo de Magnin, Aligning Vocal Pedagogical
Bodies of Knowledge in Singing-Lesson Experiences, reere que la pedagogía vocal está
ganando terreno como disciplina rigurosa pero, epistemológicamente, a menudo carece de la
legitimidad necesaria para la credibilidad académica. Magnin inspecciona las preocupaciones
de los escritores académicos sobre la legitimación de la práctica de las artes escénicas en las
instituciones de educación superior, a través de una investigación fenomenológica sobre
las experiencias de cantantes adolescentes, ya que los prejuicios académicos tradicionales
a menudo obstaculizan el uso de textos pedagógicos prácticos como datos para el análisis
cientíco.
El próximo trabajo académico profundiza en el ow de práctica óptimo para los
estudiantes de música, abordando el bienestar psicofísico durante el aprendizaje instrumental
cotidiano. En Praticare il ow: uno studio autoetnograco, Campora explica cómo autoevaluó
sus niveles de ow compilando un cuestionario y un diario, grabando sesiones de estudio
de piano y analizando datos cuantitativo-cualitativos para identicar hábitos o prácticas que
impactaran los resultados del aprendizaje. El autor enfatiza la importancia de la imaginación,
así como el equilibrio entre desafío y dominio en la enseñanza, al tiempo que discute sobre
participación en el aprendizaje junto con sus implicaciones en la neurociencia.
El artículo de cierre del dosier es HIATOS Colectivo: intervención sonora de
Barcelona. En coautoría de Muro y Suárez, presenta los resultados preliminares de un proyecto
de investigación artística que aprovecha la tecnología de geolocalización acústica ECHOES
para abarcar las dimensiones espaciales de la música. Al examinar las percepciones del
espacio abierto, la intervención tiene como objetivo ponderar la importancia de la música en
la conciencia emocional, la comunicación y la curación. Los autores enfrentaron desafíos en la
innovación creativa, pero consideraron el repensar la creatividad y el metaforizar las experiencias
como un camino para meditar sobre la condición transhumana a través de la ecología sonora y
la práctica artística.
Deivis Gabriel Herrera González
Conservatorio di Musica “G. Verdi” di Torino
Università degli Studi di Pavia
Editor Invitado
* * * * *
In a globalized world, how global can musicology be? “Global musicology” is a recent
eld with a multicultural and transdisciplinary approach to studying the complex connections
between dierent musical traditions. It focuses on historical intersections, examining how
dierent cultures have inuenced and integrated over time. Thus, scholars inquires cross-cultural
musical exchange, assessing the impact of style convergence and globalization on musical
experience. This eld emphasizes inclusivity, recognizing marginalized or underrepresented
musical traditions and the dynamic interaction between local and global contexts.
Meanwhile, “traditional musicology” encompasses a wide range of interdisciplinary
topics, spanning any musical genres, geographic regions, historical periods, and analytical
approaches. Today, young scholars aim to reect this diverse and multidimensional nature,
examining historical research, cultural studies, epistemological perspectives and contemporary
issues in music. There can be no innovation without tradition, general without particular, global
without local.
Since its creation in 2006, situArte has been considered as one of the Venezuelan
leading academic journals focused on Fine Arts, publishing more than 230 original research
articles and essays in dierent artistic elds, but only 17 music related documents. Therefore,
this rst situArte’s dossier in musicology represents a huge commitment to the eld, a debt
of honor abundantly repaid with a collection of 13 academic works ranging from history to
ethnography, from medievalism to postmodernism, from music analysis to artistic research,
from cultural intersections to compositional techniques. These approaches evidence how
specic historical, theoretical or artistical issues can be critically interconnected in a global,
rigorous and polyhedral reading of today’s musicology.
The opening paper of this volume combs the history and development of the lyre,
tracing its origins to unpublished designs as well as sixteenth and seventeenth-century treatises.
Pascucci’s work La lira da braccio Armati e le geometrie dell’Harmonia mundi highlights the
complex symbolism between the Renaissance and Baroque periods, giving the lyre a mythical
and dynastic consistency. This historical and archival research was inspired by the discovery of
a hand harp in a seventeenth-century painting, which likely emerged from a dense cultural and
musical milieu.
Subsequently, Llaca probes the inuence of social agency on the musical
representations of African slaves in the Villancicos genre, surveying works by Gaspar Fernández
and Juan Gutierrez de Padilla. In The Villancico de Negrilla: Europe and Africa in Seventeenth-
Century Mexico, the author deconstructs some cultural perceptions of the otherness in the
“New World”, digging into the diverse depictions of African themes by early Spanish composers.
The Negrilla examples from Puebla’s Cathedral reveal the social subjectivity issue in European
colonizers' understanding of such foreign culture.
Afterwards, García’s paper: El Centenario de Brasil: un homenaje musical escolar
en Buenos Aires, appraises an event aimed to build mutual respect and international culture
between Brazil and Argentina: a school music festival held in Buenos Aires to commemorate
Brazil’s centennial of Independence. The author argues that the Argentine government,
education system, and music scene intertwined with nationalist mentality, while the Brazilian
government established an international commemorative agenda. Consequently, Argentina’s
promotion of musical enjoyment politically, diplomatically, publicly, and educationally resulted
in a major achievement: the strengthening of ties with Brazil.
In the documentary inquest Frederic Mompou’s Guitar Version of Cançó i Dansa
X: A Dating Hypothesis, Rubagotti suggests that Mompou wrote a guitar piece about ten
years before the Suite Compostelana, based on some specic elements such as the address,
a Mompou’s undated message, and a Segovia’s letter on the other variant of Cançó i Dansa.
According to this hypothesis, Mompou may have written a guitar version in 1952 and a piano
and vocal quartet version in the following year, making this diptych his rst original guitar work.
F. Casella: Fabrizio e Felicita tra catalogazione e storiograa is the last article of this
rst section about cultural, historical, and archival studies. Petric’s investigation suggests that
several works by nineteenth-century musicians Fabrizio and Felicita Casella were misattributed
to each other due to a cataloging error. The discovery occurred in 2022 and the author found
evidence of the authenticity of their works in European archives. Updated catalogs are proposed
following these sources.
Serrano unfurls the second section of the dossier committed to dierent perspectives
in music analysis, with Antiphonal Composing in Salvatore Ciarrino’s Superumina,
in which he examines the Quadro III, a peripeteia of a broken dream, in which antiphonal
procedure is employed by Sciarrino on three levels: textual, dialogical, structural. The composer
uses fragments of the Song of Songs within a responsorial form. This responsorial antiphon,
characteristic of Gregorian chant, appears several times attempting to question metaphorically
both societal norms and the protagonist's ability to ignore them.
Later on, Algunas consideraciones sobre la dimensión escalar del tempo, written by
Morales, states that rhythm stands out as a parameter of inclusiveness, allowing other parameters
such as the “scalar dimension” to be evaluated and used in composition. The reection focuses
on the processing of tempo scales, translation between tempos, and the use of poly-temporality
as a creative process. The sustained scalarization of tempo settles epistemological innovations,
provides alternatives in research-creation and composition-interpretation, opening the doors to
future research in timbre or tuning.
Maliugina’s article, Horațiu Rădulescu, Das Andere e l’armonia del Plasma sonoro,
scrutinizes Rădulescu’s aesthetical perspective and the introduction of the spectral method in
Sound Plasma, applying such theoretical principles to the analysis of his composition Das Andere
op. 49 for viola. This work showcases a transitive ternary structure from stability to instability,
foregrounding the continuous life of sound and its evolution according to temporal laws. The
research concludes that Rădulescu’s unique notation in tablature allows for maximum freedom
in sound production, therefore challenging the subject/object performative dichotomy.
In Architectural Forms in Stravinsky’s Music: Site-Specic Case Studies,
Kozachenko-Stravinsky burrows into the connection between music (aural studies) and
architecture (spatial studies) in “Dumbarton Oaks” (or “Canticum Sacrum”), spotlighting the
importance of multidisciplinary approaches in traditional musicology. According to the author,
in the past century, the convergence of arts blurred their boundaries and incorporated key
parameters such as form, space, color, texture, light, time, and movement. Since music and
architecture are immersive experiences, Stravinsky’s experimental work could be valuable in
appraising spatial motifs and parallels in music, tracing unorthodox ways to address these
complex interconnected elds.
Marino’s research asserts the deance of Saariaho to outdated aesthetic canons
through modern musical means, a challenge to the composer’s aesthetic conception and
stylistic horizons, in his article Tra avanguardia e postmodernità: L’Amoir de loin di Kaija
Saariaho. The disquisition shows how the opera tests an alternative path to extremism in
contemporary music, using “avant-garde” material to create striking atmospheres and sound
textures, transporting the audience on an acoustic journey between East and West.
The third and last section of this dossier alludes to performance, practice-led inquiries,
and artistic research. Magnin’s paper, Aligning Vocal Pedagogical Bodies of Knowledge in
Singing-Lesson Experiences, refers that vocal pedagogy is gaining traction as a rigorous
discipline but, epistemologically, often lacks the necessary legitimacy for academic credibility.
Magnin inspects academic writers’ concerns about legitimizing performing arts practice in
higher education institutions, through phenomenological research on female adolescent
singers’ experiences, since traditional academic biases often hinder the use of practical
pedagogical texts as data for scientic analysis.
The upcoming scholarly work delves into the optimal practice ow for music students,
addressing psychophysical well-being during everyday instrumental learning. In Praticare il ow:
uno studio autoetnograco, Campora explains how he self-assessed his ow levels by compiling a
questionnaire and diary, recording piano practice sessions, and analyzing quantitative-qualitative
data to identify habits or practices that impact learning outcomes. The author emphasizes the
importance of imagination and the balance between challenge and mastery in teaching, while
discussing engagement in learning along with its implications in neuroscience.
The closing-dossier article is HIATOS Colectivo: intervención sonora de Barcelona.
Coauthored by Muro and Suárez, it presents the preliminary results of an artistic research project
which capitalizes ECHOES acoustic geolocation technology to range over the spatial dimensions
of music. By sifting perceptions of open space, the intervention aims to weight the importance
of music for emotional awareness, communication, and healing. The authors faced challenges
in creative innovation, but considered rethinking creativity and metaphorizing experiences as a
path to meditate about the transhuman condition through sound ecology and artistic practice.
Deivis Gabriel Herrera González
Conservatorio di Musica “G. Verdi” di Torino
Università degli Studi di Pavia
Guest Editor